Emilio Sánchez Enterprises: 2009

jueves, 17 de diciembre de 2009

MANOS VACÍAS

Manos vacías
Provienen del invierno
Y se van para el infierno
Sin poderse lavar

Desocupadas
Sin heridas y sin curas
Pero derrochando sangre
Que se hace llover

Manos vacías
Sin temor ni coraje
Sin ojos ni vendaje
Para sobrevivir

Tan atrapadas
Y aún son tan libres
Que no tienen camino
Para poder seguir

Manos vacías
Sin derecha, sin izquierda
Sin comida ni apetencia
Sin la vida a sus pies

Tan solitarias
Y tan acompañadas
Que recuerdan que el vino
No se puede beber

Manos vacías
Que al estar llenas
Derrochan tanto
Que ni lo pueden ver.

Copyright 2009 Emilio Sánchez Enterprises Inc.

jueves, 10 de diciembre de 2009

CONTRADICCIONES

El arte es expresión,
Pero el arte es contención.
Expresar es exprimir,
Pero exprimir es contener.

El poema no es el poeta,
Pero sin poema no hay poeta,
Y sin poeta no hay poema,
Entonces el poema es el poeta,
Y el poeta es el poema.

La filosofía es la anti poesía,
Pero sin filosofía no hay poesía
Y sin poesía no hay filosofía,
Son absolutamente inseparables.

La abstracción es la anti forma,
Pero aun así es su propia forma,
Y sin forma no hay abstracción,
Y sin abstracción jamás llegaremos a la forma.

El corazón habla por el cerebro,
Pero solo el cerebro tiene la razón.
El cerebro le gana en importancia al corazón,
Pero el corazón manda sobre el cerebro.

Una obra no depende se autor
Ni el autor de su obra,
Pero aún así es él quien le insufla vida a ese cadáver
Que además es producto de su creación,
Y que necesita ser creado por él para vivir.
En una obra, quien menos habla es el autor,
Pero sin el habla del autor, no hay obra.
No hay Gioconda sin Leonardo,
No existe Ulises sin el canto de Homero,
Peter Pan vuela gracias a Barrie,
Macondo desaparece gracias a Gabriel.
Todo esto ocurre gracias al autor.

El silencio es la anti música,
Pero al mismo tiempo es parte de la música.
Sin silencio no hay música
Y el silencio es el quiebre de la música.
Callar es lo contrario de hablar,
Pero el silencio es otra forma de hablar,
Es pensamiento,
Y el pensamiento es su propia habla.

Dios mío,
Ayúdame a rezarte.
No creo en ti,
Pero eso fue por haber creído demasiado en ti.

En el nombre de mi padre,
De yo, su hijo,
Y de mi maldito espíritu que jamás será santo,
El espíritu del poeta
Que ha descubierto que no es poeta,
Pero que aún cree que lo es.
No me dejes caer en la tentación de romper las reglas,
Pero líbrame del mal de seguirlas.

Copyright 2009 Emilio Sánchez Enterprises Inc.

martes, 1 de diciembre de 2009

VOLTOU A HORA DE ESCREVER

VOLTOU A HORA DE ESCREVER
Emilio Sánchez

Voltou a hora de escrever,
Agora sim, vamos fazer literatura,
Mas não vamos fazer literatura sem razão.
Vamos tomar tudo o que foi ensinado na aula
E vamos fazer de conta que não foi ensinado nada.

Você vai escrever,
Mas você vai escrever o que você gosta de escrever,
Não o que o mestre ensinou que é bom
Porque o mestre é humano, não é deus,
E somente deus sabe tudo.
O humano, incluindo o mestre, não sabe nada.

Mas ao mesmo tempo, o humano sabe tudo,
Pois sabe escrever.
Mas quem escreve bem não é quem esconde,
É quem ama.
É quem ama a mulher,
É quem ama a vida,
Quem ama a música,
Quem ama a escritura.
Se você somente pensa em escrever, você é um escritor.
¿Bom o malo? Não é seu problema.

Se você tem que ler um livro pra me entender,
Não faça isso e continue escrevendo.
Se você não tem que fazer nada pra me entender,
Você bem sabe o que fazer.

Se depois das minhas palavras você não quer escrever,
Então você não e escritor.
Agora eu vou escrever com o meu sangue,
Com meu corpo,
Com minha alma,
E com toda a minha sinceridade.
Quem escreve com tudo o que eu digo,
Esse é um escritor.

Copyright 2009 Emilio Sánchez Enterprises Inc.

sábado, 7 de noviembre de 2009

MICHAEL JACKSON AND I

In loving memory of Michael Jackson (1958-2009).

Michael Jackson was Superman. He was the hero who took me flying to the moon and taught me how to walk there, something that I never really learned because the walk was his signature, his style, his individuality.

1995. A year of History, and an aptly titled album and video compilation that showed me a true THRILLER, a BAD man who really knew how to BEAT IT. And boy, did he have a beat! From that moment on, I made it my purpose to see him live before my very eyes. My purpose came true on September 10th, 2001, when I saw him, his great friends and his brothers at his 30th Anniversary Celebration at Madison Square Garden. It was a night i'll never forget.

Back to 1995. Halloween, to be precise. My costume had a hat, black shoes, white socks, white t-shirt and white shirt. For one day, I was Michael Jackson, someone who I still idolize from the tiniest corners of my soul. 1999. Halloween again. This time I had a mask with Michael's face. I was more Michael than ever. However, in 1999, the world was confused and angry about Michael Jackson. And this was not to change over the next few years, until 2009.

2009. March. I was checking out Michael's website, and it said that soon Michael was going to make a very special announcement, live from London. I curiously thought to myself, "He's going back on the road. He's back. This Is It." I was shocked when my anticipation came true. It seemed that the world was finally going to do Michael Jackson the justice he deserved and craved for. It was the hottest ticket in town. However, it would turn cold in just a few months.

June 25th, 2009. I'm sitting in my computer at home, when I hear my mother's voice saying that Michael Jackson is in a fragile condition. I turn on the TV and effectively the news say that it is believed that he has passed away. I am stunned. However, I cannot react. Two hours later, the sad news is confirmed. I sit down in total paralysis and cry for hours. And the crying has not ended.

A few days later, i'm watching his memorial on TV, and when the casket is carried onto the stage, I cry. Then, MTV Video Music Awards. Janet Jackson creates an unprecedented tribute to her brother. I still cry. October 28th. I'm watching the This Is It film and I cry. Finally, on November 6th, I watch the memorial on YouTube...and I cry more than ever. I feel Michael close to me, and yet I realize that he was gone too soon.

My life has changed since June 25th, 2009, and it certainly has been transformed since 1995. It has become musical, exciting, spectacular, thanks to Michael Jackson. My feelings for Michael are present in the following poem, written and published by myself on Facebook shortly after his passing:

THE WAY YOU MADE US FEEL (A FEW WORDS FOR MICHAEL JACKSON)

You made the world want to scream,

And you made them beat it,

With shiny gloves and Billie Jeans,

You asked us "Can You Feel It?".

You taught us our A-B-C's and our Do-Re-Mi's,

You rocked our world,

We rocked with you,

And still we just can't stop loving you.

You were a thriller,

And a dangerous one at that,

Cause after all, you made us bad,

And you gave us all you had.

We will always remember the time,

When we first heard you,

When you taught us that we are the world

And that we must heal it.

That was the way you made us feel,

You made us shake our body down to the ground,

You made us blame it on the boogie,

And you made us dancing machines.

We never got enough,

You were simply off-the-wall.

With this said,I conclude: I Never Can Say Goodbye But You Were Gone Too Soon.

Once again, I conclude: I Never Can Say Goodbye But You Were Gone Too Soon.

PONYO

Aquí se inaugura el espacio de crítica y reflexion cinematográfica de Emilio Sánchez Enterprises. Comenzamos con algunos comentarios y reflexiones sobre PONYO, el nuevo filme del director japonés Hayao Miyazaki.

PONYO, el nuevo filme de Hayao Miyazaki, el genio creador de SPIRITED AWAY, es un filme animado que define el buen uso del lápiz, el color y la creatividad. Tratándose principalmente de una fantástica relación entre un niño llamado Suke y su pez Ponyo, quien desea convertirse en humana y logra hacerlo, causando un gran escándalo en su hogar del mar, esta película parecería enviar un mensaje sobre el actual y decayente estado de la humanidad y del mundo. No hay que tener cinco años para recibir y entender dicho mensaje, inclusive, parecería que la fantasía y la animación son dos disfraces detrás de los cuales se envuelve un propósito dirigido hacia un público mayor. Y aun así, de una manera deliciosamente contradictoria, el filme es una celebración del ser humano y de su poder creativo. En una era dominada por los computadores, es refrescante una propuesta que nos remite a los cien dibujos que comprenden cada milisegundo de movimiento en el cine animado tradicional. ¡Y qué dibujos! A sus 68 años, Hayazaki parece tener más poder e imaginación artística que nunca. Su anterior filme salió en el 2004. Y si hay que esperar hasta el 2104 para ver un filme tan inspirante e inspirado, tan apasionante y apasionado como PONYO, es hora de que la raza humana comience a hallar soluciones para alargar la duración de la vida, la lección que he aprendido después de ver este trabajo cinematográfico.

CALIFACIÓN SOBRE 5:5.

martes, 13 de octubre de 2009

CORTESÍA DE JET SET.COM.CO : BELKY ARIZALA : "EL ALMA NO TIENE COLOR"

A propósito de la propuesta que la top model impulsa para recaudar fondos en pro de Tumaco, Emilio Sánchez conversó con ella sobre cómo asociar moda y solidaridad.

En representación de Jetset.com.co, Emilio Sánchez, recientemente elegido como el joven más ‘Cool’ del jet-set Júnior, estuvo conversando con la top model colombiana que desde 2004, impulsa campañas en pro de los más necesitados, y que desde agosto pasado emprendió una propuesta de moda para apoyar a los damnificados de Tumaco, Nariño, afectados por el desbordamiento del río Mira, una tragedia que dejó cerca de 2.500 familias sin hogar.

Emilio Sánchez: ¿Cómo siente que un evento de moda y entretenimiento como El Alma No Tiene Color aporta a la rehabilitación de una región como Tumaco?

Belky Arizala: “Bueno, la pasarela aporta moda, belleza, estética, de todo un poquito, para que la gente socialice y vea de una manera más divertida el apoyar a los demás”, explicó la modelo, que debutó como diseñadora en la VIII Feria de la belleza y la salud, el pasado mes de agosto. “Pienso que la moda esta involucrada con el tema cultural al 100 %, porque muestra diferentes tendencias y la moda es cultura”, agregó Arizala, quien alterna su trabajo social con la preparación de reinas para el concurso Nacional de Belleza que se llevará acabo el próximo mes de noviembre en Cartagena.

Emilio Sánchez: En este evento participan varios actores, cantantes y modelos. ¿Cómo cree que cada una de estas profesiones aporta a la causa de ayudar a Tumaco?

Belky Arizala: “A la gente le gusta la moda. Yo pienso que a la gente se le hace divertido ver cómo un actor, un diseñador o una modelo plasman sobre un escenario la solidaridad.”

Emilio Sánchez: Tumaco habitada por cerca de 10.000 personas, también es una región con gran cantidad de familias desplazadas, un dato curioso que muchas veces los medios no resaltan. Fuera de esta organización, ¿conoce a otras entidades que se preocupen constantemente por ayudar a Tumaco?

Belky Arizala: “Sí, hay muchas más. Mucha gente está colaborando sin importar si son o no de la región. Creo que este es un tema de inclusión social, de respeto por el otro”, señaló la cucuteña, añadiendo: “Tumaco es una tierra maravillosa. Los invito a que la conozcan y la apoyen.”

Emilio Sánchez: Existe un cantautor brasileño al que admiro muchísimo que se llama Caetano Veloso. El tiene una canción de protesta que dice “Aquí todo parece construcción pero ya es ruina.” ¿Cree que en Tumaco existe algún proyecto que pareciera ser de progreso, pero en realidad es de todo lo contrario?

Belky Arizala: “Pienso que en Tumaco, todo lo que se emprende es exitoso. Tumaco tiene una zona hotelera por construir y que se ha construido muy poco, pero va a ser un gran éxito. Nariño en general debe ser un departamento que impulsa el turismo y la belleza de sus tierras, entonces vamos a trabajar para que la gente vea a Tumaco y a todas las playas de Colombia como un lugar turístico y de fácil acceso.”

Emilio Sánchez: Para los lectores de Jetset.com.co que planeen visitar Tumaco pronto, ¿Existe algún lugar que personalmente recomiende?

Belky Arizala: “Les recomiendo visitar El Morro y sus playas que son divinas y El Bajito. Recomiendo los colores, la comida, mejor dicho: ¡Tumaco es lo máximo!”, ratificó Arizala, quien además invita a colaborar con la causa, con la que se espera recaudar fondos para mercados y mejorar la calidad de vida de los damnificados.

Utilizado con permiso de http://www.jetset.com.co/noticias-que-pasa-con-noticas-chismes-del-jetset-nacional-e-internacional/belky-arizala-alma-no-tiene-color/1411.aspx

domingo, 4 de octubre de 2009

SE CALLÓ LA CANTORA

En memoria de Mercedes Sosa (1935-2009).

Agradezco a la vida, por haberme dado tanto, por haberme dado el placer de escuchar tu voz, negra. La tuya fue una de esas voces que fluyen como el vino de las uvas, y en esa voz, se escuchaba el dolor y el canto de tu pueblo. Sin embargo, se cumplió tu petición a Dios, pues la muerte, más reseca que nunca, no te encontró "vacía y sola sin haber hecho lo suficiente." Y entonces es así, negra, que te agradezco con cariño y con humildad la generosidad del talento que le brindaste al mundo entero durante cada uno de los días de tu vida.

sábado, 26 de septiembre de 2009

Y DE REPENTE, ALDEMARO

En memoria de Aldemaro Romero (1928-2007).

Antes de que Tom Jobim me llevara a casa, de que Chick Corea me mostrara los inexistentes límites de la creatividad, y de que Cole Porter me enseñara la elegancia, hubo para mí un maestro, el maestro Aldemaro Romero. Tenía tres años cuando de repente, Aldemaro "caminó los caminos de mi mente" con una canción que me enseñó a decir "Qué bonito es Montjuic y qué gran catedral de Gaudí". María Rivas fue el primer canal de comunicación entre el maestro y yo. Y fue Aldemaro, el que compuso aquella canción sobre una bella actriz catalana, quien me enseñó a cantar "Coplas A La Polaca" a "la gitana más guapa". La música de Aldemaro me descubrió "de frente al sol, con la mirada del amor." Antes de oír a Aldemaro, escuchaba la palabra "Joropo" e inmediatamente pensaba en una música, que aunque respetaba, no me movía el corazón. Ahora, y gracias a Aldemaro, cuando oigo esa misma palabra, pienso en la belleza de una onda que jamás dejará de ser nueva. Maestro, cuando moriste hace dos años, no pude llorar por tí, y eso que fui de los privilegiados que te pudieron conocer en persona y admirar tu música en vivo y en directo. Ahora, escuchando "Quinta Anauco", por fin puedo reaccionar. Considera estas las palabras que ofrecí en tu memoria, la memoria de un hombre que de alguna manera, personificó su país y mi segundo hogar, Venezuela, en Caracas, aquella mujer cuatricentenaria de cuyo sueño jamás te quise despertar. Aldemaro, eres la Venezuela de antes, una Venezuela feliz, con tu catire y tu Negro José, con tu conde y tu principal, e inclusive algunos personajes extranjeros que acogiste con tu talento, como aquella Bikina de Fuentes y el Lucero de Manzanero. Pero, "poco a poco, de la nada, como surgen de las noches, madrugadas", te fuiste, dejando escrita una página inborrable en la música de tu país y de mi alma.

jueves, 24 de septiembre de 2009

CORTESIA DE JET SET.COM.CO : EMILIO SÁNCHEZ, EL MÁS 'COOL' DEL JET-SET JÚNIOR

Emilio, amante de los ritmos brasileños y el jazz, hace parte de ese puñado de jóvenes a los que Andrés López definió como ‘Generación Y’. Aquellos ‘chinos’ pilos, arriesgados y con cero ganas de protagonismo que comienzan a destacarse en el país.

Este joven de 19 años, ya tiene seis experiencias en radio, es considerado una especie de Biblia en materia musical y planea regresar a los micrófonos.Desde los diez años, Emilio Sánchez se dejó tentar por los micrófonos de la FM, cuando por cuestiones del destino, su mamá lo dejó una noche a cargo de su padre Jaime Sánchez Cristo, director por ese entonces del programa ‘Buscando al noche’.

“Lo primero que él me advirtió fue lo único que no hice, llegué y empecé hablar como una lora mojada. Tengo una grabación de ese día que a veces oigo y digo: Dios mío como pude decir tantas barbaridades”. Se refirió Emilio a esa noche durante una reciente entrevista con la Revista Jet Set. Emilio, amante de los ritmos brasileños y el jazz, hace parte de ese puñado de jóvenes a los que Andrés López definió como ‘Generación Y’. Aquellos ‘chinos’ pilos, arriesgados y con cero ganas de protagonismo que comienzan a destacarse en el país. Este melómano de 19 años, quien desde los 5 interpreta batería, piano y tambor, se posicionó en el primer lugar del ranking de los más ‘Cool’ del Jet Set Júnior, integrado por cantantes, diseñadores, músicos, deportistas, artistas, bailarines, magos, modelos, estrellas de cine y hasta intelectuales, cuyas edades oscilan entre 15 y 25 años. A través de una votación Online, los cibernautas de Jetset.com.co. eligieron a sus favoritos, con la oportunidad de concursar por un celular Sony Ericsson C510. Le siguió los pasos a su papá Emilio parece haber heredado genéticamente el conocimiento musical de su padre Jaime Sánchez, quien a eso de los 15 años comenzó a debutar en radio, gracias a la emisora familiar, y quien muchos años después le brindó la oportunidad a su hijo con escasos 10 años de edad a vivir la experiencia de la radio, participando todos los viernes en el programa ‘Buscando la noche’, donde el niño se encargaba de escoger la música y los artistas invitados. “Se movía en la cunita cada vez que le ponía música. Al año, cuando empezó a hablar, pedía música brasileña y lo primero que oyó fue Sergio Méndez”. Explicó Jaime en una entrevista para Jet Set en el año 2000. “A los 10 años, Emilio ya estudiaba francés y redactaba en Inglés como un joven de 17. En su cabecita ya almacenaba fechas y datos sobre historia, no sólo de la música, sino del cine.” Registró por ese entonces la revista. Así pues se explica por qué sus compañeros del colegio Anglo Colombiano lo veían como un bicho raro cuando se pasaba los recreos imitando a Frank Sinatra y a Michael Jackson, a quienes admira desde antes de llegar a la adolescencia. “El día que murió Frank Sinatra supe que era mi cantante favorito. Nos une la pasión por la música, pero yo nunca tendría una relación con un mafioso como él lo hizo con la mafia italiana”. Señaló el joven quien mientras adelanta negociaciones para volver a los micrófonos, se concentra en armar la ‘ruma’ de los miércoles con fiestas temáticas en el restaurante la Famiglia, por lo que tuvo que desempolvar su colección de más de tres mil Cd y más de dos mil acetatos. Emilio, quien recientemente confesó estar enamorado, pero de la música, planea entre otras cosas irse a estudiar cine a Nueya York dentro de un año y seguir acompañando a sus papá en la transmisión en directo de los Premios Oscar como lo ha hecho desde 2005. Cabe destacar que tras varios días al aire, el concurso sobre ‘Los más Cool del Jet Set Júnior’, se cerró arrojando más de 340 registros de personas y 1.500 visitas. El ganador ya fue contactado por Publicaciones Semana.

Utilizado con permiso de PUBLICACIONES SEMANA S.A. otorgado a EMILIO SÁNCHEZ ENTERPRISES INC.

Articulo disponible en: http://www.jetset.com.co/wf_InfoArticulo.aspx?IdArt=1271

lunes, 21 de septiembre de 2009

SOBRE "EL MALESTAR EN LA CULTURA" DE SIGMUND FREUD

En los primeros dos capítulos de su texto El malestar en la cultura, Sigmund Freud habla del desarrollo de la identidad del hombre y de sus factores influyentes como el yo y el ello, la religión, y la búsqueda de la felicidad, entre otros.

Según Freud, para el hombre, el yo es su ser interno y todos sus componentes tanto mentales como físicos, y el ello es todo lo que le rodea durante su vida, tanto las demás personas como lugares, ambientes, y otras cosas. Según Freud, el yo “(…) se nos presenta como algo independiente, unitario, bien demarcado frente a todo lo demás.” (Freud 9) Sin embargo, esta demarcación y esta dependencia de las cuales habla Freud son de carácter acumulativo, pues no nacemos con ellas, sino las vamos acumulando a medida que nos desarrollamos; “El lactante aún no distingue de su yo como de un mundo exterior (…) Gradualmente, lo aprende por influencia de diversos estímulos.” (Freud 10) Por ende, según el autor, el yo es una entidad de características que funcionan en un ambiente darwiniano, en donde el más desarrollado y el más fuerte son los supervivientes. Así mismo, Freud también trata la memoria y las funciones mentales del yo como si fueran un lugar sumamente antiguo que tiene una historia y que se va renovando con el paso del tiempo, como el imperio Romano - que según Freud, si funcionara como la mente humana, que recuerda y olvida lo que se plantea ante ella – aun estaría muy lejos de varias de las glorias por las cuales se conoce. Freud sugiere que la mente funciona como si tuviera dos tipos de contenidos diferentes, uno compuesto por los recuerdos activos y otro compuesto por los recuerdos durmientes, y si aún quisiéramos explicar cómo funcionan ambos, y al mismo tiempo compararlos con la cronología de los eventos de la historia, “(…) sólo podremos hacerlo mediante la yuxtaposición en el espacio, pues éste no acepta dos contenidos distintos.” (Freud 14) Estoy de acuerdo con Freud, pues la mente humana, aunque funciona de manera “(…) el más mínimo sentido humanitario nos tornará dolorosa la idea de que la mayoría de los mortales jamás podría elevarse sobre semejante concepción de la vida.” (Freud 17) Sin embargo, la religión también determina gran parte de la formación del hombre ya que cuando toda la vida ha sido educado bajo influencias religiosas, puede optar por volverse devoto a ella, o también podría revelarse contra ella. Es así que la religión puede llegar a convertirse en un obstáculo para otro factor importantísimo dentro del desarrollo del hombre, la búsqueda de la felicidad.

Según Freud, la felicidad es un producto de “(…) la satisfacción, casi siempre instantánea, de necesidades acumuladas que han alcanzado elevada tensión, y de acuerdo con esta índole sólo puede darse como fenómeno episódico.” Esto signifca que la felicidad por definición es algo que no se da todo el tiempo, dado que la misma constancia con la que el hombre es víctima del sufrimiento lo motiva a buscar esquemas y sistemas nuevos con los que se pueda sentir más conforme, aunque éstos sean muy escasos. Podríamos comparar las palabras de Freud con las del poeta brasileño Vinícius De Moraes, autor de poemas y de las letras de varias canciones como “A Felicidade” (“La Felicidad”), en la que dice lo siguiente en referencia a la felicidad: “Voa tão leve/Mas tem a vida breve/Precisa que haja vento sem parar (…) E é por ela ser assim tão delicada/Que eu trato sempre dela muito bem.” (“Vuela tan levemente/Pero tiene una vida breve/Necesita que haya viento sin parar/Y por ser ella así, tan delícada, es que yo siempre la trato muy bien.”) (De Moraes, “A Felicidade”) Las palabras de Vinícius se parecen a las de Freud ya que el brasileño sugiere que para ser feliz se necesita “viento sin parar” que podríamos interpretar como sufrimiento y miseria, y que por ser “tan delicada” o tan escasa es que la tratamos bien y la apreciamos cuando la tenemos. Y, según Freud, hay diferentes tipos de felicidad y diferentes maneras de obtenerla:

Por ejemplo, un medio que proporciona felicidad es el arte, que ofrece “satisfacciones sustitutivas”, ya que aunque podamos estar en la miseria, al ver una obra de arte, podemos sentir una dosis de placer, aunque ésta sea pequeña y temporal. Sin embargo, solamente los que realmente tienen afinidad con el arte y con lo relacionado a él son los que realmente pueden sentir la verdadera felicidad al experimentar con él.

Freud también habla de la intoxicación como método para obtener la felicidad; “(…) es evidente que existen ciertas sustancias extrañas al organismo cuya presencia en la sangre o en los tejidos nos proporciona directamente sensaciones placenteras … de manera tal que nos impiden percibir estímulos desagradables (…) Pero en nuestro propio quimismo deben existir asimismo sustancias que cumplen un fin análogo (…)” (Freud 19), de tal manera que Freud descarta la posibilidad de la felicidad pura y total a través de la intoxicación, ya que aunque haya sustancias que le generan placer a nuestro organismo, también existen sustancias que hacen lo contrario.

Otro medio que plantea Freud y debemos resaltar es la independencia, que en mi opinión, aunque no es el más eficaz, sí es el más cercano a dicho propósito dado que la independencia es una consecuencia directa de la realidad con la que el hombre se educa, y consiste en su mediación con ella, siguiendo sus propios principios e instintos.

Finalmente, Freud también dice que la felicidad también puede llegar a través del enamoramiento y de la apreciación de la belleza. Cuando un hombre está realmente enamorado, su felicidad viene del placer de dirigir todos sus pensamientos e impulsos hacia un solo fin, en la mayoría de los casos, otra persona. En mi opinión, cuando la otra persona corresponde el enamoramiento por medio de sentimientos y sensaciones similares, la felicidad se obtiene, aunque dure poco, recordándome una vez más de las palabras de Vinícius, quien en su “Soneto De Fidelidade” (“Soneto De Fidelidad”), dijo con respecto a su propio amor: “Que não seja imortal, posto que é chama. Mas que seja infinito enquanto dure.” (“Que no sea inmortal puesto que es llama/Pero que sea infinito mientras dure.”) (De Moraes)

Así, aunque Freud plantea varios medios para obtener la felicidad y encuentra sus desventajas al igual que sus ventajas para luego concluir que cada uno debe buscar su propia manera de ser feliz, es innegable que la busqueda de la felicidad, la religión, y el yo y el ello son factores sumamente importantes para el desarrollo y el buen funcionamiento de la identidad del hombre.

BIBLIOGRAFIA:

1) Freud, Sigmund. El malestar en la cultura. 1930.
2) De Moraes, Vinícius. "DE MORAES VINICIUS - A FELICIDADE LYRICS." Metrolyrics. 2008. 4 Sep 2008 .
3) De Moraes, Vinícius. "Vinícius de Moraes - Soneto de Fidelidade." 1939. Projeto Releituras. 4 Sep 2008 http://www.releituras.com/viniciusm_fidelidade.asp.

miércoles, 16 de septiembre de 2009

MUJER BRASILERA (MULHERES DO BRASIL)

Adaptación al español de la canción "Mulheres Do Brasil", compuesta y originalmente grabada por Joyce.

MUJER BRASILERA (MULHERES DO BRASIL)

Música y letra original: Joyce
Adaptación: Emilio Sánchez

Cuando la manzana fue inventada
Antes del juego, del correo y del jornal
La mujer pasó a ser culpada
Por los deslices del pecado original

Guardiana de todas las virtudes
Santas, cocineras, pecadoras y doncellas
Hijas de María
O diosas ya de Hollywood, sí
Son hermanas, la naturaleza
Las hace tan bellas.

¡Mamá! ¡Mamá! ¡Mamá!
¡Ay Mamá! Dinos de modo generoso
Parir, crear, criar y probar
Nuestro destino valeroso

Son amas de casa
Profesoras, bailarinas
Bibliotecarias, prostitutas tan niñas
Pero allá en las brumas,
Viene con su bandera,
Saluda al pueblo y pide pasaje
Mujer brasilera.

OUR BOAT (O BARQUINHO)

Adaptación al inglés de la canción brasileña "O Barquinho", originalmente compuesta por Roberto Menescal y Ronaldo Boscoli

OUR BOAT

Music: Roberto Menescal
Original Lyrics: Ronaldo Boscoli
English Lyrics: Emilio Sánchez

Days in the sun, lights in the nights
And the ocean, it just flows
Through the wind about to blow
All summer long, these waves full of love
They all tingle with this boat
And its never-ending float
No purpose drawn, our little song
Keeps on swimming right away to the sun,
And our boat, it flies,
In the wind, it lies.

Back to the sea, you swim with me
And together we arrive
In the ocean where we thrive
Blue is the sky and that is why I
Swim around it just with you,
To get caught in this voodoo
No purpose drawn, our little song
Keeps on swimming right away to the sun,
And our boat, it flies,
In the wind, it lies,
And our boat, it flies,
In the wind, it lies.

ME VOY A ALEJAR DE TI

Dedicado a alguien a quien alguna vez quise, aunque eso haya sido erróneo.

Me voy a alejar de ti
No necesito tu cara
No necesito tu amor
Pero sobretodo, no te necesito.

Copyright 2009 Emilio Sánchez Enterprises Inc.

lunes, 7 de septiembre de 2009

EL ARTE DE AMAR Y AMAR EL ARTE

Los artistas somos bendecidos con algo de duende, con mucho duende. Para mí, el duende es nuestro amor por lo que hacemos y la magia que transmitimos al compartirlo con los que nos rodean. Es un amor que conforma nuestro ser, nuestra esencia. Es lo que nos hace honestos, sinceros, pero sobretodo, generosos. Para nosotros, cantar ante un público de cinco es lo mismo que cantar ante cincuenta mil: lo hacemos con la misma pasión, con el mismo ánimo, con el mismo respeto y aún mejor, con el mismo sentido de compromiso, de comunidad. Es una sensación que nos dice que hay que unificar el mundo, y que lo podemos hacer a través de nuestro arte, es decir, a través de nosotros mismos. Amamos lo que hacemos y hacemos lo que amamos. Eso es lo mejor, como alguna vez dijo Ana Belén, “de este largo viaje con el que hemos pretendido cambiar el mundo, pero solamente hemos conseguido que el mundo no nos cambie a nosotros.” Ese es el arte de amar y el amar el arte, es decir, amarnos y aceptarnos tal como somos, y no cambiarnos por nada.

Copyright 2009 Emilio Sánchez Enterprises Inc.

EL POETA FLORECERÁ

El poeta florecerá
Cuando la lluvia deje de caer,
Y el poeta morirá
Cuando las flores dejen de oler.

El poeta florecerá
Cuando el mendigo pare de pedir,
Y el poeta morirá
Cuando el rico no lo pueda recibir.

El poeta florecerá
Cuando el mundo se muera por amor,
Y el poeta morirá
Cuando al vivir todos muestren su horror.

El poeta florecerá
Cuando la vida pare sin pasar,
Y el poeta morirá
Cuando la vida pase sin parar.

El poeta florecerá
Cuando los niños comiencen a crecer,
Y el poeta morirá
Cuando el adulto deje de crecer.

El poeta florecerá
Cuando el libro se deje leer,
Y el poeta morirá
Cuando al libro lo dejen de leer.

Porque la poesía vive,
Como cualquier persona,
Y sufre,
Como cualquier llorona.

Porque el poeta vive,
Vive de palabras que ojalá tú, al sentarte a leer,
Las conviertas en palabras,
Que ojalá algún día, me puedas ofrecer.

Copyright 2009 Emilio Sánchez Enterprises Inc.

martes, 18 de agosto de 2009

AMÉ Y FUI AMADO

Dedicado a Vinícius De Moraes.

¿Fuiste digno?
No, no fui digno.
¿Fuiste inmoral?
No, no fui inmoral.
¿Fuiste sabio?
Sí, sí fui sabio.

¿Te devolviste a la realidad?
No, volví a ser real.
¿Dijiste alguna mentira?
No, yo era la mentira.
¿Amaste?
Sí, amé y fui amado.

Copyright 2009 Emilio Sánchez Enterprises Inc.

REFLEXIONES SOBRE KIND OF BLUE DE MILES DAVIS

Creo que la primera vez que oí a alguien hablar del álbum Kind Of Blue fue en una entrevista en la que a Walter Becker[1], bajista y cofundador de la banda Steely Dan, le preguntaban cuál era su álbum favorito, y respondió que era éste. En ese momento, no tenía ni idea de que éste disco era de Miles Davis (y mucho menos de otros grandes como John Coltrane y Bill Evans), y si sabía algo de Miles era que éste era un trompetista que le gustaba tanto a Richard Gere como a Julia Roberts en la comedia romántica Novia Fugitiva. Luego, cuando comencé a oír la música de Chick Corea, supe que Miles había sido pionero de la fusión, pero durante muchos años ignoré su música. Cuando por fin comencé a escuchar a Miles fue a través de éste disco, uno lleno de temas con connotaciones autobiográficas para mí.

El primer tema que oí de Miles es el que abre el álbum, “So What”. Sin embargo lo oí de una manera muy distinta: tocándolo yo mismo. Cuando mi fascinación con Miles - en particular con ésta canción – yo me encontraba comenzando como baterista de la primera agrupación de jazz en la que toqué, la banda de jazz del Colegio Nueva Granada, llamada la CNG Jazz Band. En mi primer ensayo con ellos, recuerdo haber pasado por temas de la talla de “Maiden Voyage” de Herbie Hancock, “Take The ‘A’ Train” de Duke Ellington y “Blue Bossa” de Kenny Dorham entre otros. Sin embargo, cuando llegamos a esta canción, sentí una extraña sensación de familiaridad con lo que estaba escuchando, aunque no lo conocía. Luego me dí cuenta que los famosos acordes del comienzo de la canción habían sido fuente de inspiración para varias canciones de hip-hop y de Acid Jazz. De ahí mi asociación y mi inmediato gusto por la canción. Luego, estudiando historia del jazz en los Estados Unidos, descubrí otra gran versión por Miles junto a Ron Carter, George Coleman, Tony Williams y Herbie Hancock, grabada en vivo en 1964. Aunque ésta era mucho más explosiva y 'hot' que la original, el sentimiento que me generaba seguía siendo el mismo, y fue por eso que me dí cuenta que, musicalmente, “So What” se presta para todo tipo de situaciones.

Días después de haber ensayado “So What” con la CNG Jazz Band por primera vez, me encontraba sentado frente al piano en la casa de un amigo, improvisando sobre cualquier progresión de acordes que escuchara, tanto en mi cabeza como en mis oídos. Mi amigo me puso su copia de Kind Of Blue. Improvisé en “So What”, pero luego escucharía otro tema que me llamó la atención: “Freddie Freeloader”. Esta vez lo que se me hizo atractivo fue la progresión de las notas en la melodía principal; sentía como si estuvieran caminando una detrás de la otra, inclusive cayéndose encima a veces. Años más tarde, la monté con la CNG Jazz Band, y cada vez que tocábamos la melodía en ensayos, cantaba yo una versión con letras que decía algo como lo siguiente: “Fre-ddie, Fre-ddie/Don’t go/Fre-ddie/Unpack your bags and stay…” Esa ha sido mi relación con Freddie durante varios años.

Cuatro meses después de haber escuchado "So What" y "Freddie Freeloader" por primera vez, finalmente pude comprar para mí una copia de Kind Of Blue. Sobra decir que escuché con mucha frecuencia los primeros dos cortes del disco, pero cuando llegué al tercero, “Blue In Green”, me sentí transportado. Aún me siento así con solamente pensar en esa canción. Cuando la escucho, me siento arrullado, siento que la noche es oscura y que hay nieve, inclusive un poco de lluvia. No me dan ganas de salir a ningún lado, y con ésta pieza para acompañarme en casa, no quiero ir a ningún lado. Inmediatamente me siento en paz, a veces un poco triste, pero calmado, de una manera en la que solamente la Bossa Nova y música tan linda como ésta logran calmarme.

La cuarta canción del disco es tal vez la siguiente más famosa después de “So What”, “All Blues”. Es una forma blues interesante, que se vuelve muy pegajosa gracias a la siguiente progresión melódica: SI, DO, RE, SI, SI, DO, RE, SI… Tan pegajosa es que ha sido tocada por varios grandes desde Tito Puente (quien la hizo en un memorable arreglo de Latin Jazz en tiempo de 6/4), y Stevie Wonder (quien la hizo en el tiempo original, pero con cierto sabor de reggae).

“Flamenco Sketches” seguramente fue una de las impulsoras que luego llevarían a Miles y al gran arreglista Gil Evans a crear una de sus mejores colaboraciones juntos, el también clásico trabajo Sketches Of Spain, en el cual tocaron fragmentos del Concierto de Aranjuez de Joaquín Rodrigo, inspirando a futuras generaciones de artistas como Chick Corea, Chano Domínguez, Michel Camilo y Carlos Santana entre otros, con ésta canción como predecesora de la fusión entre la música española, la música latina y el jazz.

Teniendo en cuenta las anteriores explicaciones, debo decir que Kind Of Blue es un disco que me habla en todos los sentidos de la palabra: teniendo grandes canciones y increíbles melodías, además de grandes anécdotas para acompañarlas en mi caso, para mí, éste es verdaderamente un álbum autobiográfico.

[1] Entrevista incluida en el video del año 2000 Steely Dan’s Plush TV Jazz-Rock Party.

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BAHIA SOLANO: A MUSICAL TRIP TO AFRICA AND BEYOND

My name is Emilio Sánchez. I won’t describe what you already know about me (you all know I’m tall, I wear glasses, etc.) I will directly talk about the one thing that has always marked me: music. But I won’t speak about any music…I will refer directly to the music whose roots lie in Africa. I believe that most of the music that I like to play, dance to or listen to comes originally from Africa. And every time I get involved with it, I feel like I am coming close to the mother of most of the wonderful music that has graced my life. Bahia Solano was an approximation to these roots which I am very proud of; through the Chirimía music, I danced and I played, giving homage to Africa and to the musical formation that it has given to many. I am not the only one who has embraced his African roots through music. Countless artists and musical styles have directly experimented with them.

I. AFRICA AND ITS GLOBAL MUSICAL INFLUENCE

I’d like to begin with a kind of music that our grandfathers have told us about. It is Jazz, a music that was invented by African-American slaves in the United States, through the sad, melancholic songs that they would sing while working in the cotton plantations in Georgia.

Next comes a musical name that has been very popular for years. It is Salsa – actually a term that was used to revise all Cuban music outside of Cuba after the Castro revolution. (Cruz 118) It is through percussion that salsa has an African root. In the song “Qué Rico Suena Mi Tambor” by the Fania All-Stars, the singer Ismael Miranda attributes the groove of percussion to all Latin American countries and to Africa: “A todos los paises latinoamericanos… ¡África, por poco se me olvidaba!…aquí va mi tambor.” (“To all Latin American countries…I almost forgot Africa! Here goes my drum!”) In his tune “Marruecos”, Colombian singer Yuri Buenaventura says: “Gracias por lo que me enseñas, Africa…la salsa en nuestros corazones para ti.”(“Thank you for what you teach me…the Salsa in our hearts for you.”)

These are some of the musical styles that are African in their origin. However, there are several non-African artists who have approached African music and fused it with their own particular styles. Here are a few of them:

The first clear example lies in the music of legendary Rhythm & Blues/Funk band Earth, Wind & Fire , users of the Kalimba , an instrument that is actually a kind of piano played with the thumbs, being an adaptation of the elder Mbira ("Kalimba"). The instrument was discovered by the group’s founder Maurice White, who talks about his discovery in the song “Kalimba Story”.

Stevie Wonder has also had contact with Africa through his music. Perhaps the clearest example lies in a song that was written in three languages, “Ngiculela-Es Una Historia-I Am Singing”, in which the first part is written and sung in Zulu. Wonder has also initiated other artists in African music, especially through the tune “A Time To Love” , written and sung as a duet by India.Arie and himself, with a massive percussion finale, also featuring a soft guitar played by Sir Paul McCartney.

There are artists who have been influenced by Africa even through the music that it gave to the region of Chocó. Venezuelan singer Maria Rivas has experimented with the popular rhythm of Mapalé through a song named after this dance, which is always performed by a man and a woman, using erotic movements, very African in their origins. In the lyrics, Rivas sings to these movements by saying: “Por eso yo pido que, y cada vez que quieras tú, y pal’ baile’el Mapalé, sea siempre con marido, y el hombre con su mujer.” (“For this I ask that when we dance the Mapalé, the dance always be with [my] husband and the man with his woman”).

But there is one artist to whom I owe the inspiration for this project. It is the great brazilian singer and songwriter Djavan. Born in Alagoas, he was always close to Africa. In 1980, he travelled to Angola for a closer contact with his roots – this trip was actually what gave me the main motivation for this project – and later returned to Brazil to record the 1981 album Seduzir, where his journey is clearly present in three tracks: the original composition “Luanda” , and a medley of two songs from Angola, “Nvula Ieza Kia” and “Humbiumbi” . In 1986, Djavan recorded South Africa’s national anthem, “Nkosi Sikelei’ I-Afrika” - or “God Bless Africa” in English - and “So Bashiya Ba Hlala Ekhaya”, an anthem of South Africa’s youth.

So, keeping in mind those who have been influenced by Africa, and Djavan’s trip to Angola, I decided to do something similar in Bahia Solano.

II. MY WORK IN BAHIA SOLANO

In Bahía Solano, I was exposed to a local music known as Chirimía. It came to my attention that the band playing it was quite simple: just a saxophone and a few percussion instruments (most notably the tamboura and the snare drum). The music gave out good energy in the tradition of African Music. After the first performance, I interviewed Bismark Lopez, the band’s tamboura player.

INTERVIEW WITH BISMARK LOPEZ

1) Which do you consider the most important rhythm of this region, historically or musically, and why?

Note: When I asked him this question, by “rhythm”, I actually meant genre, so he answered differently to what I was expecting, and then I asked him the question using the word “genre” itself. Here are both of the answers he gave me.

A: The rhythm of dance. It is very energetic and it makes you happy.

B: The most important musical genre is chirimía. It is the region’s music.

2) If you were to define the musical heritage that Africa gave us through one instrument, which one would you cheese and why?

The maracas. They are an instrument that expresses a lot of feeling when well played. They practically say things clearly and they make you feel that you want to express a lot.

3) Do you think there is currently an artist who represents the roots that are from Chocó and the afro-colombian roots through his music?

There was one who they used to call “Chano”. He was a Chirimía singer.

4) Which are your main musical influences?

In terms of music to dance to, my influence is Chirimía for being the music that is proper of this region. In terms of music to listen to, my influence comes from ballads and soft, sentimental music.

5) In your years as an artist, do you think that you have had one or more opportunities in which you – in your own style – have been able to show the African roots in Colombian music?

I have been to regional dance exchanges. In those exchanges, the dances are exchanged but the cultures are not so there I feel that the (African) traditions have not been lost.

6) If you were to compare the African heritage in Chirimía with the African heritage in Salsa, which would be the main differences?

You cannot compare them. Salsa is very recent and I feel that ancient African music was better, since more feelings were expressed.

7) If you had to represent the heritages that Africa gave to Colombia, through something other than music, how would you do it?

Through ancient customs. I would not like to do it through what is recent since everything has now been altered very much. There are people who do not have clear where we (the Afro-Colombian race) come from.

III. CONCLUSION

I think that the previous pages and Lopez’s final answer have proven my point. We all like to listen to music nowadays, as a matter of fact, “Nothing is more singular about this generation than its addiction to music.” (Bloom) But the music we like, comes directly or indirectly from Africa.

WORKS CITED:

1) Cruz, Celia. Celia. Mi Vida. 1st Ed. Barcelona, Spain: Ediciones B, S.A., 2004.

2) “Que Rico Suena Mi Tambor”. Fania All-Stars. Live At Yankee Stadium Vol.1 Fania Records Inc. , 1975.

3) “Marruecos”. Yuri Buenaventura. Salsa Dura. Mercury France, 2005.

4) "Kalimba." 29 Jan 2007 .

5) “Mapalé”. Maria Rivas. Mapalé. EMI-Rodven S.A. , 1993.

6) "Nkosi Sikelel'iAfrica - South Africa's National Anthem." anc.org. 4 Feb 2007 .

7) Lopez, Bismark. Personal Interview. Bahia Solano, Colombia. January 24th, 2007.

8)"Allan Bloom Quotes." BrainyQuote.com. 2007. BrainyMedia.com. 4 Feb 2007 .

ESCRITO EN INGLÉS: BILLIE HOLIDAY AND RAY CHARLES SANG THE SAME BLUES

Even though they were released during different decades, the films Ray and Lady Sings The Blues, have many things in common: they are both about musicians (Ray Charles and Billie Holiday), both their main characters are African American, they were both present at the Academy Awards (Diana Ross was nominated for her performance as Billie in the Best Actress category, and Jamie Foxx won the Best Actor award for his portrayal of Ray), both lead characters suffer from addiction to narcotics, and both Billie and Ray are impacted by two life-changing deaths (the death of Billie’s pianist, as well as that of Ray’s brother George). However, one of the most important things that both films have in common is racial injustice.

Lady Sings The Blues takes place in the 1930’s and 1940’s, when the lynching of African-Americans in the southern states of the United States was common. Billie Holiday is shocked by this, especially in three scenes: the first one is when, during a tour, Billie asks her bus driver to stop for a minute. Billie gets off the bus to admire the pretty trees, a view that eventually leads to a shocking image as Billie sees fellow African Americans being hung from those trees, inspiring her to record one of her most important songs, “Strange Fruit”, whose lyrics say: “Southern trees bear a strange fruit, Blood on the leaves and blood at the root, Black bodies swinging in the southern breeze, Strange fruit hanging from the poplar trees (…)” (Allen 43), in which the ‘fruit’ that hangs from the trees is obviously the African-American people of the southern states of the US.

Another shocking moment comes when the Ku Klux clan attacks the tour bus that belongs to Billie’s band, a band founded by white musicians, in which she is the only African American. Billie’s band mates try to protect her and they ask her to hide for her own safety, however, Billie refuses to do so by cursing the clan desperately, yet face to face.

The final moment of this film in which Billie is a direct victim of racial injustice, comes when she and her band are asked to appear in a live radio program sponsored by Sunray Soap, a company that promotes ‘white’ and clean hands, and therefore the band appears, but Billie does not meet the sponsor’s target due to her color, so therefore, she never performs on the show. This is a direct example of how racial injustice affects Billie Holiday’s work opportunities in Lady Sings The Blues, something to which Ray Charles is a direct challenge in Ray.

Sometime in the early sixties, Ray Charles, an African-American who managed to have success on both white and African American radio, is scheduled to perform at a concert for a segregated audience in Georgia, where the Jim Crow laws are still in function. Ray only learns about the segregated organization of the event upon his arrival at the venue that same day, due to a protesting fellow African American, who asks him not to perform that night. At first, Ray refuses, but not before long, he changes his mind, gets back into his tour bus and leaves the state of Georgia, from which he is legally forbidden until 1979, when the Jim Crow laws are no longer functioning and the state offers him a public apology, welcomes him back, and makes his song “Georgia On My Mind”, its official state song. This shows how Ray Charles is a direct challenge to racial injustice, as he refuses to perform before an official entity which supports this issue, for this same entity to admit that prohibiting him is a mistake years later.

Because of the previous reasons, we can affirm that racial injustice is one of the most important factors in both Ray and Lady Sings The Blues, leading us to the following conclusion: even though they lived during different times and performed different genres, one thing is for certain: Billie Holiday and Ray Charles sang the same blues.

BIBLIOGRAPHY
1) Allen, Lewis. "Billie Holiday Strange Fruit lyrics." Lyrics Freak. 15 Sep 2008 http://www.lyricsfreak.com/b/billie+holiday/strange+fruit_20017859.html.

lunes, 17 de agosto de 2009

ULISES: HOMBRE DE ARETÉ Y HEROICIDAD

Mi nombre es Ulises. También me conocen como Odiseo. Soy anciano, sabio y viejo. Mis aventuras han sido cantadas alrededor del mundo. ¡Homero sí que supo cómo relatarlas! Siempre se han referido a mí como un hombre de arete y como un héroe. Y debo decir, con orgullo, que tienen razón.

Me consideraran un hombre de areté por diversas razones. Primero, porque en mi tierra, en Ítaca, hay un rey y ese soberano soy yo. Soy un excelente orador, y además me permito decir que soy un hombre de alta inteligencia. Siempre he tratado de hacer todo a la mayor perfección posible. Cuando peleé en Troya, no quise dejarme llevar por sorpresa alguna. Siempre quise saber qué estaba haciendo el enemigo, de modo que con la colaboración de Diomedes, infiltré espías en las tierras enemigas.

Sin embargo, de todas las cosas que me hacen alguien digno de este titulo, hay una proeza que ningún otro hombre ha podido igualar: el regreso a casa después de la guerra. Un oráculo me dijo que tardaría veinte años en regresar a Ítaca. Consciente de aquella predicción, pasé diez años de guerra en Troya, y luego otros diez, en el intento de regresar a casa con mis hombres. Durante ese tiempo, me vi envuelto con sirenas, ninfas, hechiceras, un cíclope, y muchas otras cosas que fácilmente podrían considerarse como obstáculos. Pero para mi nunca lo fueron. Logré vencer todo y finalmente volví a Ítaca. Sin duda, esa ha sido mi mayor hazaña. Eso también me hace digno del titulo de héroe, pues logré vencer criaturas mitológicas como cíclopes y sirenas, salvando a muchos de los hombres que me acompañaban.

Dicho lo anterior, yo, Ulises, me considero tanto un hombre de areté como un héroe.

ESCRITO EN INGLÉS DEL 2007: WEEKEND IN SAN FRANCISCO

My trip to San Francisco…San Francisco, Cundinamarca, was one of the most rewarding experiences of my life, because of the challenges that it presented and because of the things that I learned by facing those challenges. I only spent two days there, but they were two of the most important days of my life.

The first day, when my classmates and I arrived, we were immediately treated like adults because we were given the freedom to choose who our roommates would be and only two teachers went on this trip with us. This meant that we had the responsibility of arriving on time to each and every single activity, only with the consequence of missing it.

The first activity that was a challenge to me, was one in which I had to develop trust in my classmates, by standing on fifteen chairs (each one piled up on top of each other), letting myself go and letting my other classmates grab me so that I wouldn’t fall down. The first time I did it, I was very nervous so I jumped off the chairs and I fell flat, hitting my butt. The second time I tried it, the same. Finally, before doing it the third time, one of the counsellors had me practice how to let go without being afraid of falling down. I practiced several times. Finally, I realized that the amount of chairs was not proportional to my height so I asked them to remove some chairs. They removed a few, I stood up on them and I tried it again. I finally let go of myself but, for a second, I thought I was going to get hurt again so even though I screamed “Aaaahhhh!!!” for a second or two, my classmates finally grabbed me and I landed safely. Then, I tried it one last time and even though I was still screaming, I was improving. What I learned from this activity was that I need to develop trust in other people in various circumstances.

The next challenging activity was one where we had to walk around the area of the place where we were staying, with a rope attached to our belts. I was extremely scared because I cannot run fast with people behind and in front of me, and since this was done by teams, all teams were constantly running behind each other, so I was extremely scared and stressed since I thought that I could fall down in any moment.

The last activity that we did during the day was one that was emotionally challenging, not only for me, but for everyone. We had to stand up and talk about three things: our anger, our happiness and our fear. Each factor was represented by a different coloured paint, so we had to paint our face every time we talked about one of them. It was then that I realized the single message that became the most important thing about this trip to me: I have an enormous capacity to love almost everything and everyone around me. This activity was followed by a bonfire in which we had to pick up stones and give one of them to the classmates who have been important in our lives. I gave stones to my best friend Rodrigo Zamora (with whom I have an unparalleled relationship in terms of loyalty and friendship), Stephanie Goldstucker, Alberto Azout and Daniela Mattos, who really moved my feelings because, even though I don’t know her very well, she and I get along very well and she said that she could be a better friend to me.

The next day, we had to walk down a mountain to go into town, where we would visit a retirement home for the elderly, to entertain them by providing them with laughter and fun for a few minutes. When we arrived there, I was surprised by the happiness that they seemed to feel when they were with us. At the same time, I was also shocked to see them that some of them were so old that they didn’t even have any teeth. Maria Clara, the ethics teacher, asked me to improvise a show for them so that they could sing and feel happy for a few minutes. I started singing “El Rey” and everyone – my classmates and all of the elder people – sang along with me. It was an amazing few minutes during which I felt lucky enough to bring happiness to the people around me. However, the last challenge was still to come.

After our visit, we had to return to the place where we were staying, by going up the mountain, with a rope embracing all the members of each team. Again, it was physically challenging, but, even though I was asking my counsellor to let me quit from the beginning, he did not let me and I realized that I had come to complete the entire journey back.

But, perhaps, the single most important activity to me was the last one: the signing of our t-shirts by our fellow classmates, our teachers and the counsellors. It was then that I hugged a friend who is leaving next year, up to the point where she and I almost cried. I would have cried on forever, but she did not want to cry until the very last moment.

My conclusion from this trip is the following one: if there is one feeling that makes up most of me, it is love. My capacity to love is probably the greatest thing that I’ll ever have. What I learned on this trip is perfectly expressed by the following message from the song “Nature Boy”, written by Eden Ahbez: “The greatest thing you’ll ever learn is just to love and be loved in return”.

VOLVER A COMENZAR

Cuando la vida se acaba
No hay nada que hacer
No es lo mismo con un beso
O el amor de una mujer
No son iguales, el morir y el renacer
Solo sé que la pasión me hace bien

Cuando el amor termina
No hay límite o confín
Siempre habrá la mañana
Después de un largo dormir
No hay paraíso ni infierno, nada de eso, no, no, no
Hay un presente que muere por amor

Y quien te dijo
Que no hay nada que mirar
En un pasado tan viejo
Y en la vieja tempestad
Pues, dentro de esas ruinas
De mi loco corazón
Queda el recuerdo
Y olor de tú y yo

Siento las rosas
Las que me dejó tu amor
Las que florecen del alma,
Y de todo en la pasión
Y yo solamente espero
Que tú puedas afirmar
Que lo único que tú quieres
Es volver a comenzar

Con esto dicho, mujer,
Te dejo esta canción
Y solo espero que encuentres
El deseo de ceder
De ceder a la vida, al mañana y el ayer
A lo que hemos vivido, y a lo que vamos a ver

Veremos momentos malos
Y también haremos bien
Veremos lados amargos
Y también, lo que es dulce
Esto es lo que nos espera, y no puedo detener
Ese deseo de amarte, y de volverte a ver

Y quien te dijo
Que no hay nada que mirar
En un pasado viejo
Y en la vieja tempestad
Pues, dentro de esas ruinas
De mi loco corazón
Queda el recuerdo
Y olor de tú y yo

Siento las rosas
Las que me dejó tu amor
Las que florecen del alma,
Y de todo en la pasión
Y yo solamente espero
Que tú puedas afirmar
Que lo único que tu quieres
Es volver a comenzar

Volver a comenzar…

martes, 4 de agosto de 2009

MAGIA DE NOSTALGIA

Este poema fue escrito en noviembre de 2005, cuando me ví obligado a retirarme de la primera emisora en la que trabajé como discjockey y presentador. Me parece interesante publicarlo ahora, menos de cuatro semanas antes de mi regreso a la radio, confirmando así que se ha cumplido lo que dice la última parte del poema, que el corazón "pronto se mojará / otra vez revivirá / y nunca se cansará."

No existe magia mas linda
Que escuchar
Ver
Abrir la mente

Cuando la magia se practica
Y el ciclo se cierra
Inesperadamente,
De nostalgia te aterras

Se dice que
No hay mal que
Por bien no venga
Pero el corazón,
El corazón se seca

Pronto se mojará
Otra vez revivirá
Y nunca se cansará

Copyright 2005 (renovado en 2009), Emilio Sánchez Enterprises Inc.

LA CASA DE TOM (DEDICADO A ANTONIO CARLOS JOBIM)

Iré
Iré para almorzar
Iré
Iré para cenar

Iré con Caymmi para sambar
Iré con Vinícius para inspirar
Iré
Tal vez iré solo
Pero iré

Iré
Llegaré puntual
Iré
Para oírte tocar

Caminaremos juntos por la floresta
Y después de la siesta,
Haremos una fiesta
Una fiesta para sambar

Estará Paulo
Estará Daniel
Estará Ana
Estará Beth

Estarán Danilo y Jaques
Estarán Braga y Tiao
Estarán Maucha Adnet
Y Paula Morelenbaum

Daniel vendrá
Simone vendrá
Y hasta Maria Luiza querrá cantar

Luego iremos a Carnegie Hall
A Los Angeles
A Nueva York
Pero todo comienza
En la casa de Tom

Copyright 2009 Emilio Sánchez Enterprises Inc.

domingo, 2 de agosto de 2009

CUANDO QUIERO ESCRIBIR

Cuando quiero escribir, siento que tengo palabras que queman, que arden intensamente dentro de mí. Son como bombas de tiempo, esperando el momento para explotar. Y cuando explotan, un mundo entero se libera dentro de mí, varios sentimientos salen, pasean, merodean sin dirección, pero curiosamente, al final, todos se encuentran en un solo destino, en el mismo destino, a la misma hora y en el mismo lugar. Es una explosión de sentimientos, de hormonas y de dioses que habitan dentro de mí, que por fin salen a conocer del mundo aunque no concorden con él y él tampoco con ellos, pero es la oportunidad tan esperada de vivir en su propia carne y ante sus ojos la realidad, irónicamente una que ellos mismos han creado exclusivamente para sí mismos y que ahora comparten con el mundo y ante el mundo.

sábado, 1 de agosto de 2009

ARE THE POEMS BURNING IN YOU?

ARE THE POEMS BURNING IN YOU?

Emilio Sánchez

Are the poems burning in you?
Are the words carving themselves deep into your soul?
Does your flesh feel their fire?
Does your heart ache from it all?

Are the poems burning in you?
Are they taking up your peace of mind?
Are they riding up from heart to mouth?
Is there something to find?

Does your heart feel your bones?
Do your bones feel your heart?
Do your words want to express
Everything that thou art?

Do you want to explode out into the world?
Is it exploding deep within you?
And that brings us the quintessential question:
Are the poems burning in you?

Copyright 2009 Emilio Sánchez Enterprises Inc.

lunes, 27 de julio de 2009

CRITICA CINEMATOGRÁFICA EN INGLÉS, ESCRITA EN 2008

FILM REVIEW:
STING AND BRING ON THE NIGHT
By Emilio Sánchez
September 2008

Bring On The Night is a 1985 film from director Michael Apted, which shows the genesis and creation of Sting’s first band after having been a member of The Police. This one was formed with African-American jazz musicians, which was a risk yet a challenge at that time since it paired Sting, a british rock musician, with these new band members, and vice-versa, creating one of the most interesting musical experiments ever shown on film and heard on record.

The band, aside from Sting on guitar and lead vocals, consisted of the following members:

- Bassist Darryl Jones, who would interestingly become a member of the Rolling Stones’ backing band years later.

- Drummer Omar Hakim, known for his work with the legendary jazz-fusion band Weather Report.

- The late pianist/keyboardist Kenny Kirkland, who came from Miles Davis’s group.

- Saxophonist Branford Marsalis,son of jazz pianist Ellis Marsalis and brother of trumpeter Wynton Marsalis.

- Background vocalists Dolette McDonald, who had previously toured with The Police, and Janice Pendarvis, who would accompany Sting in his solo career on many occasions.

The reactions that came when the band was ready to record, rehearse and perform, were interesting. On one side, as Sting would later describe it in his book Lyrics by Sting, the jazz line-up of the group “(…) caused some friction with Branford’s brother, Wynton, who, apart from losing two of his band, thought they were selling out by playing with a pop musician like myself.” (Sting 99) Kirkland’s point of view, as expressed in the film, was: “I’m sure some people – some real purists, jazz people – don’t like the idea of us doing this, but I have another attitude about that you know? I think if you’re a musician you should try to play whatever you can play. You should try to cover all of music.” This was probably the attitude of Sting and the rest of the band as well; therefore, they rehearsed in an ancient French castle, where they prepared for their debut at the Théatre Mogador in Paris. The creation process as it leads to the final product, is what is shown in this film, where Sting says: “Most rock films are made about bands when they’re at the peak of their career or when they’re finished – it’s The Last Waltz (the classic Martin Scorsese film that shows the final performance by The Band), or Let it Be (the film that shows The Beatles as they were coming to their own end). I can’t think of a film that is about a band starting off, beginning.” Therefore, Bring On The Night was made.

Now, it is understandable that, at this band was new, they would have to play songs from the album that they had just finished, The Dream of the Blue Turtles, which is why we hear tunes like the now classic “If You Love Somebody Set Them Free”, the catchy “Fortress Around Your Heart”, the jazz instrumental that serves as title track to the album – which we hear as Sting and the band are photographed for around Paris for the album and the concert poster, by an unusual but undeniably spontaneous photographer – or the anti-cold war ballad “Russians”. However, as Sting came from The Police, it was also important and necessary for the old fans to hear the already famous material. Perhaps that is why the film opens with the band performing a soaring medley which starts off with the song after which the film is named, and then leads to another Police song – “When the World Is Running Down”, from this author’s favorite Police album, 1980’s Zenyatta Mondatta, which includes another song reinterpreted by this band, “Driven To Tears”, being complemented by Sting and Branford’s guitar, vocals and saxophone rendition of “Roxanne”. If not enough, the show at the Mogador opens with “Shadows in the Rain” and ends with Sting’s encore performance of “Message in a Bottle”, which is preceded by a rocking, yet jazzy version of “Demolition Man”. Therefore, Sting and the band manage to find the perfect balance between the new songs and the classic ones.

However, not all of the band members were originally musicians. Janice says: “One of the main things that I did before I was singing, was [that] I was a junior high school English teacher (…)”, which makes quite a contrast when compared to Dolette’s past, since she says: “I was a receptionist in a house of prostitution.” Sting himself was not a musician by profession, he was a school teacher, and he says: “One of the great things about my life is that I haven’t the faintest idea what I’ll be doing in a year’s time. One of the reasons I left teaching was that it was very easy to see the next ten years of my life. I could become the deputy headmaster and I could almost see the way I would look and the way I would behave and then ten years beyond that, I’d become the headmaster in this little school. And that was a nightmare. I much prefer not knowing what’s around the corner.” Maybe Sting’s beliefs are what lead to another key point in the film: the birth of his first son.

Throughout the film, Sting’s then-girlfriend and now-wife, Trudie Styler, is shown pregnant, and the band places bets on the date of birth. Sting wins the bet since Trudie goes into labor on the day of the concert at the Mogador where, before going to the hospital and shortly before the band goes on stage, Trudie stops backstage, where Dolette wishes her good luck, and Branford, with intentions to do the same, tries to say “Break a leg”, but as he remembers her current state, he ends up saying “Break a water main”. Finally, we see Sting after the concert, at the hospital, witnessing the birth of his son John, which is shown on screen.

Also important is the band’s sense of humor, which reflects on Sting, who is more likely to be seen in a serious and sober mood when in public. We see it during a rehearsal, when Branford grabs an edition of the London Mirror and reads an article about Sting in the following humorous way: “The Festival of Britain was in full swing. A general election was around the corner, but for Ernie and Audrey Sumner, the big event in life was the birth of their UGLY baby boy in 1951, Gordon Sumner[1].” This sense of humor is also present when the band is having lunch and Janice mockingly asks Darryl what he wants to be when he grows up, to which he answers “I want to be like a Las Vegas singer”, and is joined by Branford in a funny, spontaneous version of “New York, New York”, in which they imitate the style of the classic Vegas entertainer, be it Frank Sinatra or Liza Minnelli.

Taking into account all the factors previously mentioned, in my opinion, Bring On The Night is an excellent concert film. Peter Stack from the San Francisco Chronicle, referred to it by saying: “It’s a fascinating behind-the-scenes look at a band in the act of creating music”. To me, it is that and much more. It is a fantastic look at a band in the act and art of living.

WORKS CITED:

1) Sting, Lyrics by Sting. 1st Ed. New York: The Dial Press, 2007.
2) Bring On Tbe Night, A film by Michael Apted, A&M Records, 2005.
3) "PRESS RELEASE USA - BRING ON THE NIGHT DVD." StingUs. StingUs. 24 Sep 2008 http://www.stingus.net/sting_the_police_andy_summers_stewart_copeland_news_comments.php?id=840_0_2_0_C.

[1] Gordon Sumner is Sting’s real name.

ESCRITO EN 2006: DIEGO EL CIGALA EN EL JORGE ELIECER GAITÁN

Esta reseña de un concierto de Diego El Cigala fue escrita en 2006 para la revista ya mencionada en entradas anteriores, y tampoco fue publicada.

DIEGO EL CIGALA EN EL JORGE ELIECER GAITÁN

Diego El Cigala regresó a Bogotá luego de su primera visita en el año 2004. En aquella ocasión, estuvo aquí para participar en un homenaje a la cantante Chavela Vargas, y para cantar en un recital de “La Pasión según San Mateo”. Debo decir que lo vi cantar en el homenaje a Chavela y su talento me sorprendió tanto que terminé comprando el disco “Lágrimas Negras”, grabado junto al pianista cubano Bebo Valdés, disparando a la fama a este cantaor* español. En aquella ocasión, el pianista que lo acompañaba era justamente Rickard Valdés, nieto de Bebo. Hasta la misma Chavela quedó cautivada por su talento ya que la prestigiosa cantante lo invitó a compartir un dueto durante su presentación.

El pasado viernes 10 de Noviembre, luego de dos años y de dos álbumes, fui a verlo en el teatro Jorge Eliécer Gaitán. Sin embargo, esta vez, él era el encargado del show principal. Como telonera estuvo la cantautora colombiana Claudia Gómez, cuya música sirvió de aperitivo para una gran noche. Luego, el grupo del Cigala brilló en un número instrumental, y finalmente, el Cigala salió a cantar, comenzando con una gran versión del bolero “Inolvidable”.

Debo decir que aunque desconozco sus nombres, los integrantes del grupo del Cigala demostraron tener talento de sobra, con Cigala y su voz inconfundiblemente gitana, un pianista cuyo estilo latino añadió un sabor único a la música, un bajista con una energía positiva y una sonrisa que mostraba la diversión y el gusto que sentía al tocar, un guitarrista que le hizo justicia a España al impresionar al público tocando un flamenco excelente, y finalmente, un percusionista que demostró tener lo necesario para tocar percusión, sabiendo exactamente cómo y cuando golpear el instrumento, fuera un redoblante o un cajón.

La noche estuvo llena de momentos inolvidables, con temas de “Lágrimas Negras” al igual que de su álbum más reciente, “Picasso En Mis Ojos”. Algunas de las mejores fueron “La Paloma” (poema de Rafael Alberti ya grabado por varios artistas como Ana Belén y Joan Manuel Serrat entre otros), “Vete De Mí”, una humorosa versión de “Se Me Olvidó Que Te Olvidé” , “La Bien Pagá”, “Corazón Loco”, y al final, una explosión de latin jazz en el clásico “Dos Gardenias”.

Fue un concierto único. Cigala acertó al abrir su show, dado que realmente fue una noche inolvidable.

*Cantaor es el nombre que se les da a los cantantes de flamenco en España.

ESCRITO EN 2007: MARIACHI POR CINCO MINUTOS

No me lo esperaba pero por cinco minutos, saboreé la gloria de cantar con un grupo de mariachis por primera vez en seis años.

MARIACHI POR CINCO MINUTOS

Ayer, el Colegio Nueva Granada celebró el dia de San Valentín con la tradicional repartición de rosas, con un “out-of-dress-code” (dia sin uniforme) de color rojo, y con una serenata de mariachis en su anfiteatro.

La serenata comenzó a eso de las doce y media de la tarde. Yo presenciaba el toque al lado de unos compañeros que me pedían que cantara una canción con los mariachis.

De pronto, oí las notas de una canción conocida de José Alfredo Jiménez. Era “El Rey”. Pedí permiso, agarré un micrófono y canté: “Con dinero o sin dinero, hago siempre lo que quiero y mi palabra es la ley, no tengo trono ni reina, ni nadie que me comprenda pero sigo siendo el rey.”

Luego, los mariachis me invitaron a cantar otra. Era “Sabes Una Cosa”, canción que conozco mejor que la palma de mi propia mano por cuenta de varias experiencias que he vivido con ella. E irónicamente, se me olvido una parte de la letra, de tal modo que yo no fui la única voz en la canción.

A mi me gustan los mariachis por dos razones: Primero que todo, hay unos excelentes (porque los que malos hay, malos son) como el grupo Mariachi 2000 (famoso por colaborar con Luís Miguel) y cantantes como Vicente ‘Chente’ Fernández.

Ustedes pensarán que la segunda razón es obvia. Pensarán que he tenido experiencias inolvidables con ellos. Pero es que las mías han sido drásticamente inolvidables, porque son las que nadie ha pensado en tener. Y es que honestamente, asistir a una fiesta de una polla del mundial de fútbol, en donde el grupo de mariachis tiene más protagonismo que el equipo mexicano, es bien diferente a una serenata romántica o a una de quince años.

Hacía seis años no cantaba con mariachis. La vez anterior fue justamente en una serenata de quince años para una prima. En esa ocasión, me atreví a cantar “Y”. Y después de haberlo hecho una vez más, he llegado a la siguiente conclusión: el mundo ha cambiado… “pero sigo siendo el rey”.

ESCRITO EN 2006: TIMELESS

Escrito en 2006 para la revista mencionada en la entrada anterior. Tampoco fue publicado.

SERGIO MENDES
“TIMELESS”

El nuevo disco de Sergio Mendes es musicalmente una aventura. Para este trabajo, el conocido pianista brasileño se asoció con Will.I.Am de los Black Eyed Peas. El resultado es increíble.

Fueron grabadas algunas canciones viejas de Brasil con toques de Hip-Hop, contando con la participación especial de varios artistas invitados. Los Black Eyed Peas participaron en una versión de “Mas Que Nada” (ya grabada por Mendes en 1966), Stevie Wonder tocó su armónica en un medley de los temas “Berimbau” y “Consolação”, y los temas “The Frog” y “Samba De Bençao” (compuesto por el gran poeta brasileño Vinícius De Moraes, junto a Baden Powell) contaron con la colaboración de artistas como Q-Tip y Marcelo D2.

También se hicieron algunas canciones nuevas. El bellísimo tema que da nombre al álbum fue cantado por la excelente voz de India.Arie, el primer sencillo del álbum, titulado “That Heat” fue grabado junto a Erykah Badu, Justin Timberlake contribuyó en “Loose Ends”, y John Legend, ganador del premio a Grammy al Mejor Nuevo Artista, compuso y canto “Please Baby Don’t”.

El álbum es vibrante, musicalmente excelente y prometedor. Para Sergio Mendes, es el resultado de más de cuarenta años de carrera, y para el Hip-Hop, es todo un reto. Sin duda, el titulo lo explica todo. Durará para siempre.

ESCRITO EN 2006: SONGS IN THE KEY OF LIFE

Este articulo fue escrito en 2006, conmemorando el aniversario treinta del álbum más importante de Stevie Wonder. Fue escrito para una revista en la cual yo colaboraba como crítico de música, que dejó de circular antes de que el artículo fuera publicado.

STEVIE WONDER
“SONGS IN THE KEY OF LIFE”
Universal Music

Desde hace treinta años, éste álbum ha marcado un hito en la historia de la música. Siempre con la creatividad y expresión por la que se ha caracterizado, Stevie Wonder - o Stevland Morris de nacimiento - nos trajo este disco que tardó mas de dos años en su proceso creativo hasta tal punto que Wonder tenía una camiseta que decía “We’re Almost Finished” (“Pronto terminaremos”), y hasta que el contrato disquero del artista se había vencido, siendo renovado por la entonces increíble suma de trece millones de dólares. El artista demoró el proceso creativo ya que quería expresar todo pensamiento y punto de vista que tenía acerca de la vida en ese momento.

El resultado fue un álbum que inmediatamente tuvo acogida entre el público, con canciones que han quedado en la memoria durante varios años. Tal vez, la más representativa es la clásica “Isn’t She Lovely” (dedicada a su hija Aisha Morris). El álbum también generó dos clásicos que luego fueron usados como fundamento para temas de hip-hop: “Pastime Paradise” (base musical usada por Coolio para hacer su éxito “Gangsta’s Paradise”) y la oda al funk “I Wish” (incluida en “Wild Wild West” de Will Smith). El álbum también incluye “As” que se ha convertido en una de las canciones más importantes de la carrera de Wonder, con la participación especial de una leyenda del jazz, Herbie Hancock. Este tema fue revivido por George Michael y Mary J. Blige en 1998. “Ngiculela-Es Una Historia-I Am Singing” es una canción cantada en tres lenguas: zulu, inglés y algo de español. “Black Man”, con sus excelentes ocho minutos y medio de duración, habla de los grandes logros de hombres de diferentes colores, “Sir Duke” - #1 en la revista Billboard - es un homenaje a los grandes del jazz como Duke Ellington y Louis Armstrong, “Village Ghetto Land” es una obra clásica creada solamente con un instrumento – luego reinterpretada por Wonder y una orquesta entera en los noventa – y el amor es perfectamente retratado en “If It’s Magic”.

Sin sorpresa alguna, gracias a este trabajo, Wonder recibió el merecido premio Grammy en la categoría de álbum del año. Sin duda, treinta años después de su lanzamiento, “Songs In The Key Of Life” es un álbum de la vida…para la vida, dejando una marca que fue perfectamente expresada por Herbie Hancock: “La música popular también puede ser un arte”.

ESCRITO EN 2004: ATRACCIÓN A ALGUIEN

Este tautograma fue escrito en 2004, teniendo como inspiración a alguien que me tenía locamente enamorado en ese momento.

ATRACCIÓN A ALGUIEN

Atracción a alguien,
Alguien anónimo,
Atracción anteriormente asomada ante alguien
Hallado astros adelante

Alma avalada, atesorada,
Asociada a Armstrong[1],
Acompañante al amor,
Al agrado adoptado

Amistad acreditada
Al activar admiración,
Al atravesar amor accidental,
Al aderezo adicional

Aunque haya algo aterrador,
Hay abismos atenuados,
Ha habido abriles abrigados,
Acogidos,
Amados

Adolescencia admirable,
Apasionante,
Atracción a alguien.

[1] Louis Armstrong, trompetista y cantante de Jazz, quien en 1950, grabó una versión del tema “La Vie en Rose”.

Copyright 2004 (renovado en 2009), Emilio Sánchez Enterprises Inc.

REGRESAMOS A LA RADIO

Hola todos

Como ustedes saben y para quienes no lo sepan, desde 1999 hasta el 2005 yo trabajé como presentador y DJ en una famosa emisora radial de la cual me ví obligado a retirarme por circunstancias que se me salían de las manos. Desde entonces hubo muchos intentos de regresar a la radio por medio de otras emisoras. Pues ahora debo anunciarles que ya dicha intención se ha cumplido porque en agosto, por fin y después de muchos años de intentarlo, voy a regresar a la radio junto a mi padre Jaime, junto a Maria Clara Torres, y junto al equipo que conformamos hace muchísimos años y que fue un éxito desde su comienzo. Esto ocurrirá en la emisora LA X 103.9 FM de Todelar, en el programa LOS ORIGINALES, en donde participaré desde el VIERNES 22 DE AGOSTO a las 5 pm. También estaré haciendo un programa en solitario en la misma emisora, que será emitido los fines de semana, a una hora que todavía no ha sido definida pero que pronto anunciaré también. Me gustaría agradecer a todos ustedes que han estado desde el comienzo y que me han de alguna u otra manera ayudado a cumplir este objetivo, que ahora se ha logrado y por ende quiero compartir con ustedes.

Muchisimas gracias de todo corazón,

Emilio.

La noticia oficial ha sido publicada en este link:

http://www.eltiempo.com/culturayocio/telefonorosa/ARTICULO-PRINTER_FRIENDLY-PLANTILLA_PRINTER_FRIENDL-4654381.html

viernes, 24 de julio de 2009

ESCRITO EN EL 2007: AMAS DE CASA DESESPERADAS Y YO

AMAS DE CASA DESESPERADAS Y YO

Un recuento personal de una de las series más esperadas del año en Colombia

Ya se terminó de filmar en Argentina la primera temporada de la adaptación colombo-ecuatoriana de la serie norteamericana Desperate Housewives, que en Colombia se llamará “Amas de Casa Desesperadas”. Ha sido todo un proceso, desde el casting hasta la edición. Insisto con el tema de esta serie por varias razones: por su calidad, por el cariño que le tengo a la buena televisión, por todo. Para mí, ha sido todo un proceso y con su permiso, me gustaría relatar como yo viví la realización de este proyecto.

Y AHÍ ENTRÉ YO…

Yo he estado presente en el proceso de producir esta serie por varias razones, siendo la principal que la empresa de un amigo cercano, Vista Productions, comparte la responsabilidad con los dueños de los derechos, Buena Vista International Television (comúnmente conocida como Disney), al lado del Canal RCN para la transmisión en Colombia, Polka Producciones para la producción en Argentina, y Teleamazonas para la transmisión en Ecuador.

He estado presente en todos los sentidos, desde la búsqueda de las protagonistas hasta la filmación del programa. Cuando buscábamos a un grupo de actrices que dieran la talla de Teri Hatcher, Nicolette Sheridan, Eva Longoria, Marcia Cross y sus compañeras, las mujeres más famosas del medio en Colombia quisieron participar. Sin embargo, nosotros también estuvimos interesados en conseguir no solamente a las más famosas, sino a las más talentosas, por eso terminamos con Ana Maria Orozco, Ruddy Rodríguez, Geraldine Zivic, Sofía Vergara, Lorena Meritano y Marisol Romero como protagonistas, en papeles que quisimos evaluar para varias actrices que no llegaron al producto final. Recuerdo muy bien aquellos momentos en que estábamos interesados en conseguir a dos en particular, ambas muy famosas, con telenovelas como Café y Las noches de Luciana a sus espaldas. Una, para sorpresa mía, no conocía absolutamente nada de la serie hasta que nosotros le mostramos el primer capitulo de la versión original, y otra, la conocía muy bien y trató de convencernos con jugadas que resultaron inefectivas.

Luego, volví a verme involucrado en la producción de la serie, hacia finales del 2006, cuando viajé a Buenos Aires para conocer a los actores, los lugares de filmación, el equipo técnico y la calidez que la capital argentina aportaba física, espiritual y mentalmente al programa.

Llegué a Buenos Aires a dormir, pues no había podido hacerlo durante el vuelo. Y realmente necesitaba energías positivas para los días que venían. Esa tarde, visité un lugar en el cual se filmaba una escena con uno de los que aquí llamamos ‘galanes’, el argentino Diego Ramos, al lado de Jairo Camargo, en calidad de actor de reparto. Ese día, conocí a ambos, al igual que a Víctor Mallarino, director de la serie.

Al día siguiente, visité el predio, lugar en las afueras de la ciudad, en donde se había recreado Wisteria Lane, para llamarse la Calle Manzanares en nuestra adaptación. Entré con mi padre y mi hermana a una de las casas, en la cual se encontraba la mayoría de los protagonistas, entre ellos Ana Maria y Diego Trujillo. Cuando nos vieron entrar, se levantaron para recibir a mi amigo con apodos como ‘chief ’. Fácilmente podría decir que la escena se parecía al matrimonio de la primera parte de “El Padrino”, en donde a Vito Corleone, en su calidad de jefe, le besaban un dedo con tal de ser reconocidos por él. Mi hermana y yo contemplábamos la escena cuando nos presentaron al grupo de personas que por unos días, llegaría a ser como una familia para mí.

EL GRAN DEBUT

Ese día, logramos uno de nuestros objetivos con la serie, el de aparecer como extras en una escena, cosa que mi conocido de Vista había dicho que cualquier amigo o familiar que llegara a Buenos Aires en esos días, tendría que hacer. Mientras caminábamos hacia el lugar en donde se filmaría la escena, oí al coordinador decir: “Ahí te mando dos extras”. Esto me hizo sentir muy bien porque significaría que nos tratarían igual que a cualquiera y no como los conocidos del productor ejecutivo, titulo que muchas veces ha sido una ventaja, pero en otras ocasiones me ha traído malentendidos. La escena que se filmaba era un asado, en el cual había agresiones entre Marisol y su coestrella, el peruano Juan Carlos Salazar.

EL SEÑOR PARDO, LEO PARDO

Unos días después, conocí los estudios de Polka, para ver la filmación de una escena con Geraldine, en el rol de madre de unos ‘diablos’ mellizos. Su coestrella, Julian Arango, había filmado esa mañana una de las escenas mas chistosas de la serie, en la cual se vestía con una tanga de piel de leopardo, para decir: “Mi nombre es Pardo. Leo Pardo”. Quienes habían estado de testigos durante esa escena se rieron tanto que me la mostraron y yo también me reí.

Y ARDIÓ LA CASA

Finalmente, la última escena que vi en filmación fue el famoso incendio de la casa en el primer episodio.

Allí, mientras se preparaban los detalles, estuve hablando con Lorena mientras a ella la arreglaban para salir a escena. De pronto, una de las actrices de reparto, Maria Angélica Mallarino, me miró con una cara de asombro absoluto. Cuando supo que yo era el hijo de mi padre, me dijo: “¡Ay qué emoción! ¡Yo cuidaba a tu papá cuando era un bebé!”, cosa que mi padre luego desmentiría con un punto de vista tan drásticamente distinto que es mejor no compartirlo.

Luego, pude observar como Víctor guiaba a los actores, ya que lo más importante de esta escena eran sus reacciones al ver la casa incendiarse.

EL PRODUCTOR EJECUTIVO VINO A NO DEJAR TRABAJAR

Tal vez, lo más irónico de todo este proceso, era que mi amigo, productor ejecutivo de la serie, llegaba a interrumpir todas las grabaciones y nadie se resistía a sus encantos. Su excusa es que sufre de Síndrome Déficit de Atención. ¿Cierta o no?, solo otras autoridades lo sabrán, pero de todos modos, nos encanta a mí y a todos los que trabajamos con él. Por ejemplo, mientras se filmaba la escena con Diego y Jairo Camargo, él hablaba. Se hicieron por lo menos diez tomas, hasta que finalmente, durante la enésima que pidieron silencio para comenzar a grabar, el dijo: “¿Otra vez silencio? ¡Aquí no se puede hacer nada!”. Su conclusión de esa escena fue: “Llegué yo y Jairo Camargo la embarró treinta y seis veces.” Luego, antes de la filmación del incendio, llegó con una botella de Johnnie Walker Black Label, como decían todos con un cierto orgullo, “para no dejar trabajar”.

Y AUNQUE NO DEJÓ TRABAJAR, ÉL MISMO ACTUÓ

Unos meses después, mi amigo regresó a Buenos Aires, para seguir supervisando la producción del programa, pero también para cumplir su propia meta con el programa, la de actuar en una escena.

La escena fue aquella en la que Ruddy, en el papel de Eugenia (originalmente Bree), encuentra a su hijo en un bar de strip-tease. Eugenia le da explicaciones al pobre muchacho de cómo debió sufrir durante su infancia la mujer que hacia el espectáculo, y el hombre de al lado, desesperado, se le acerca al hijo y le dice: “Oye, llévate a la loquita de tu mamá que nos está aguando la fiesta. Está buenísima. Por favor.” Mi amigo hizo ese papel. Al verlo, me reí, porque sabía que no estaba actuando. Era perfecto para él.

AMAS DE CASA CON POSITIVISMO

La serie ya se estrenó en Ecuador. En una rueda de prensa en dicho país, Marisol dijo: “cuando nos tocaban las escenas de las cinco juntas, eso era una gozadera total, divertida y yo creo que esto se va a revertir en la pantalla”[1]. (“Versión latina de Amas de Casa Desesperadas en Ecuador”) En una entrevista en Bogotá en abril de este año, mi padre dijo: “(…) te vas a dar cuenta de que es lo más grande que se ha producido en la televisión latinoamericana, por encima de cualquiera…no me gusta hablar de la competencia, pero por encima de la competencia, no conozco nada de mayor calidad visual, de mayor calidad de set, de mayor calidad actoral (…)”[2]. Sebastián Corral, gerente de Teleamazonas, dijo: “Yo creo que este proyecto es de lo mejor que se puede pedir a nivel de Latinoamérica, porque ha tenido un éxito brutal, ‘la lata’, en varios países, debe ser uno de los shows americanos que más éxito ha tenido, y nosotros estamos súper contentos de poder ser parte de la alianza entre RCN, Disney y nosotros.”[3] Yo concluyo diciendo que es lo que el público colombiano necesita, para olvidarnos así sea solamente por un rato de las telenovelas que cada día son menos atractivas, y de los reality shows que no sirven para nada ni para nadie. Es una mezcla de inocencia y picardía, de lo claro y lo misterioso, de lo dramático, lo chistoso y lo sarcástico. En fin, tiene de todo.

BIBLIOGRAFIA:
[1] "Versión latina de Amas de Casa Desesperadas en Ecuador." Quépasa Corporation. 28 Mayo 2007 .
[2] “Jaime Sanchez – Amas de Casa Desesperadas Colombia”. Video disponible en: http://youtube.com/watch?v=7LwH4enNVwc
[3] “Sebastian Corral: Amas de Casa Desesperadas”. Video disponible en:
http://youtube.com/watch?v=0IanLngZ6fE&mode=related&search=